Com seu material em mãos, a tentação de gravar é grande. Para muitos, ir a um estúdio de gravação é caro demais. Para outros, a gravação em casa pode ser uma opção. Se ficar bom gravando em casa, porque não gravar em um estúdio comercial?
Seja qual for a sua intenção, gravar é um divertimento, e um processo muito criativo. Quando você não está sob pressão para chegar a uma qualidade profissional, você pode levar o tempo que quiser trabalhando e aperfeiçoando sua música. Isto não quer dizer que um resultado profissional não possa ser obtido em casa. Com o tipo certo de equipamento e perícia, você pode conseguir.
Este é um processo passo a passo para se gravar música em casa, juntamente com algumas dicas de gravação. Se, seguido a risca, vai levar a uma plena realização do potencial de sua música.
1. Programação MIDI
Pra começar, vamos trabalhar nas partes sequenciadas. Hoje em dia muito do material gravado é sequenciado. Com a tecnologia de hoje, temos sons incríveis de bateria, pianos, cordas e metais. A primeira coisa a fazer é configurar o seu plano de gravação. Você vai gravar músicas MIDI para formar a base do seu arranjo. Fique a vontade para trabalhar bem nessa parte do processo. Se você conseguir uma boa programação, muito do processo já vai estar pronto antes mesmo que você entre no estúdio.
Começe com um metrônomo ou uma base de bateria bem simples.
Juntamente com uma base rítmica, você deve gravar o seu principal instrumento de acompanhamento. Este pode ser um piano ou um violão. Lembre-se que os músicos e cantores vão precisar saber quando começar a tocar e cantar. Certifique-se de iniciar a música com uma contagem.
2. Voz guia
A voz guia é importante para que os músicos sintam a melodia. Essa voz não é a definitiva, apenas para poder guiar os músicos em suas performances. Tente colocar emoção na voz para que os músicos sintam as nuances da melodia e possam colocar sua energia nos takes.
Grave com emoção, mas não se preocupe muito com detalhes. Você vai ter a oprotunidade de gravar o vocal mais tarde.
3. Gravando a bateria e o baixo
Deixe os músicos ouvir a guia MIDI. Certifique-se de que eles compreendam o sentido da música. Solte seu sequenciador, a fim de que eles ouçam tanto o instrumento que você gravou como os vocais. Ative o metrônomo no seu sequenciador, para que o baterista tenha um clique para se basear. Grave a bateria. O metrônomo só é necessário se você estiver gravando ao vivo ou gravando em MIDI tocando em um teclado. Se você estiver gravando de um programa, você não precisará usar um metrônomo. Muito pelo contrário, você vai querer humanizar a “levada” da bateria. Faça isso variando os volumes de cada uma das notas, e tente deslocar ligeiramente algumas notas fora da batida. A maioria dos sequencers têm uma função que faz isso automaticamente.
4. Gravando Piano, Guitarras e outros instrumentos rítmicos
Agora você irá substituir o canal de acompanhamento que usou como guia. A guitarra é um instrumento rítmico muito forte. Basta seguir o seu roteiro -- toque o acompanhamento onde indicado, contraponto onde indicado, solos e pausas onde você planejou. Fique com a regra geral que se a espontaneidade funcionar, vá atrás dela. Após as guitarras, coloque o piano. Desde que o piano é livre, e pela sua natureza tanto melódica quanto rítmica, eu prefiro colocá-lo depois da bateria, baixo e guitarras.
5. Gravando outros instrumentos e solos
Quando você escreveu o roteiro de sua música, você fez a maior parte do trabalho. Você sabe exatamente o que é tocado por cada instrumento e quando. Instrumentos de contraponto são aqueles que vão desempenhar a melodia secundária. Eles podem ser saxofones, sintetizadores, guitarras elétricas, ou mesmo órgãos e acordeons.
Porque essas faixas podem se destacar na mixagem, deve-se tomar cuidado para que eles estejam sendo executados corretamente. Se, por algum motivo, eles não se encaixarem na música, reveja o arranjo. Uma base limpa as vezes é melhor do que muita “massa” sonora. Tente ouvir para julgar.
6. Grave os vocais
Antes de mais nada precisamos saber que a voz humana utiliza músculos que vão se cansando, então é muito importante o aquecimento antes do seu uso.
Descanse, medite o tome água depois de longos períodos de canto.
Depois do aquecimento, tente gravar uma tomada. Só pare se você esquecer a letra ou se perder completamente. Depois ouça a tomada e faça as anotações necessárias. Se a maioria estiver correta, corrija apenas as partes. Esta será sua tomada de segurança onde todas as notas e palavras estão cantadas corretamente.
Agora vamos fazer outra tomada. Lembre-se que a performance é mais do que apenas a música. Você tem que sentir a música, e deixar se levar pela emoção. Uma emoção pode ter vários aspectos como raiva, carinho, determinação, etc. Novamente, corrija apenas o necessário.
Por fim, vamos fazer mais uma tomada. Tente novas variações. Após essa tomada você terá três canais com diferentes interpretações. Com isso, você pode juntá-las e conseguir sua melhor performance.
Depois disso tudo você pode querer regravar seu track de segurança. Veja bem se você não está com a voz cansada pois pode estragar sua primeira tomada.
7. Gravando os Back Vocais
Estes vão por último, porque eles devem se misturar suavemente com o vocal. Se o solista opta por uma maior liberdade com os tempos e pronúncias, é melhor basear seu back vocal com o desempenho do cantor. Caso contrário, pode ficar bastante confuso.
Certifique-se de que os cantores estão em sincronia e em tempo uns com os outros. Eles devem ter um conhecimento claro do que eles estão cantando, com base nos registos escritos. Não confiar em "deixa comigo", mas também não exclua uma variação brilhante que alguém possa dar na hora. O objetivo é obter as melhores performances.
Alguns preferem gravar os cantores juntos, outros preferem registar cada cantor individualmente. Faça o que for melhor para se obter um bom resultado.
8. Fazendo uma primeira mixagem
A música de amostra é uma música com semelhante instrumentação, e uma sensação semelhante à música que você gravou. Você irá basear a sua mixagem sobre a sonoridade criada nesse modelo. Ele será o referencial a ser seguido.
Toque todos seus canais. O objetivo é trabalhar rápido e não gastar muito tempo sobre esta primeira mixagem. É apenas para dar uma idéia sobre como sua mixagem vai ficar.
Uma boa idéia para se mixar uma música é organizar no papel onde cada membro da banda ficaria se estivessem no palco. Em seguida, faça um pan para posicioná-los, mantendo os vocais, o baixo e a bateria no centro. Se tiver outras idéias artísticas, naturalmente aplique-as.
Em seguida, ajuste os níveis de cada pista, a fim de que eles soem relativamente iguais, com os vocais ligeiramente a frente. Por último, coloque um tipo padrão de reverberação sobre as principais trilhas para criar uma idéia de espaço. Por enquanto é só.
9. Use EQ e Compressão nos canais individuais
Ouvindo a sua mixagem, você vai perceber que alguns canais sobressaem, e outros simplesmente são engolidos. O ideal é que cada parte seja ouvida, na devida proporção. Posteriormente, iremos lidar com níveis e panning, mas agora há um passo mais importante. Temos de encontrar o timbre certo e frequências para cada faixa. Este é um trabalho difícil. Geralmente, quanto menos interferimos com o que gravamos, melhor. Tente evitar o sobre processamento.
Escreva uma lista de todas as suas músicas. Usando a função solo, ajuste cada faixa de freqüência usando a equalização. Certifique-se de que cada faixa alcança o seu melhor som sozinho. Em seguida, abra todas as faixas, e certifique-se de que juntos eles soam muito bem. Cheque sua lista para certificar-se de que cada instrumento é ouvido.
Em seguida, aplique compressão. Seja gentil. Clipping, e aquele efeito in-out são o resultado de muita compressão. Instrumentos e vozes que são demasiado altos e, em seguida, desaparecem são o resultado de pouca compressão. Certifique-se de que cada pista tenha um bom nível constante que soe natural.
10. Ajuste de Níveis e Panning
Primeiro, vamos configurar. Para que os faders estejam equivalentes em cada canal, você tem que ajustar os ganhos em cada canal do mixer. Coloque todos os faders no mesmo nível, e ajustar os ganhos em cada pista, a fim de que todas as partes estejam no mesmo volume.
De acordo com o mapa que você desenhou da banda no palco, defina seu panning. Nesta fase pode ser útil ouvir através de fones, porque dão uma verdadeira noção do campo estéreo.
Depois que você fez o panning da banda, abaixe todos os faders a zero. Eleve o fader do vocal guia para o ponto neutro (0). Então, traga o instrumento principal de acompanhamento (um piano ou violão). Ele deve ser alto o suficiente para estar no mesmo ponto que o cantor, mas não deve interferir sobre a clareza do cantor. Estas duas faixas serão o centro da sua mixagem, e tudo será construído em torno deles.
Após acertar sua voz e acompanhamento, vá para a seção rítmica. Comece com a base e o bumbo, o restante da bateria, e o resto dos instrumentos de ritmo. Depois disso, traga os instrumentos de contraponto e qualquer instrumento individual que você possa ter. Finalmente, em traga o back vocal.
Depois, cheque cada faixa para certificar-se de que ela possa ser ouvida. Antes de brincar com os níveis, no entanto, ajuste o panning ou EQ para manter a faixa no equilíbrio adequado. A última coisa que você deve verificar é o vocal guia. Toque sua cançãoagora, e faça os ajustes que você quiser até estar feliz com eles.
11. Inserindo Reverber e echos
Aqui você vai criar a profundidade e ambiência da mixagem. Usando o nosso modelo de uma banda no palco, já decidimos o quanto para a esquerda e direita cada instrumento irá. Na mixagem de faixas com sinais de efeitos de processamento digital, podemos determinar em que medida para trás ou para frente eles irão. Quanto mais a frente mais direto será o som, e menos reverb. Vice-versa para a os de trás.
O primeira coisa a decidir é qual seu tipo de sala. A maioria dos reverbers tem predefinições para tudo, desde grandes auditórios vazios até pequenas salas lotadas. Variações sobre o tema reverb incluem atraso, e outros tipos de eco. Recomenda-se usar apenas um ou dois tipos de reverb em todos os seus canais. Colocar um grande auditório, em um instrumento e um pequeno eco sobre outro, geralmente danifica seu som. Você pode mudar a relação entre os instrumentos pela quantidade de reverb muito mais eficazmente do que pelo tipo.
Tenha cuidado ao aplicar reverb para instrumentos de baixo frequência, pois ele pode embolar.
12. Ajuste e refaça se necessário
As melhores técnicas de gravação são incompletas sem o ajuste no final. O ajuste é o que vai fazer a sua mixagem profissional. Não é sómente a sua voz que se cansa se você cantar muito, seus ouvidos se cansam se você se concentrar demais. Depois de ter feito sua primeira mixagem, descanse. Se você puder retornar no dia seguinte, ainda melhor. Quando você voltar você estará descansado e sua mixagem vai agradecer.
Ouça com atenção a sua mixagem e você irá notar imediatamente se tiver alguma coisa para refazer. Se ela pode ser reproduzida no rádio, você fez um bom trabalho e está pronto para fazer a master. Caso contrário, você deverá ter apenas pequenos ajustes para finalizar sua música.
13. Mastering
É tentador pensar que a mixagem é o fim do processo. O Mastering pode ser facilmente esquecido, mas não deve. Mesmo uma boa mixagem não é otimizada para a queima do CD ou para o rádio. Como experiência, ripe o áudio de sua amostra musical e abra-o em um editor.
Em seguida, veja a forma de onda. O mais provável é que a amostra pareça algo como um bloco, ao passo que a sua vai ter a aparência de uma montanha enrugada. Isso ocorre justamente por causa da masterização.
Há duas áreas que você irá focar na masterização: equalização e compressão. A equalização o deixa fazer ajustes finais na mixagem. Você pode ter necessidade de aumentar a baixa frequência, por exemplo. Ou então, a sua mixagem pode exigir mais brilho, então você vai aumentar as frequências mais altas. A comparação com sua amostra musical irá guiá-lo.
Compressão é manter o seu volume dentro de um determinado intervalo. Isto é especialmente importante para o rádio, onde um bom nível de mixagem vai soar melhor. Tal como acontece com o processo seu de mixagem , seja suave e natural na escolha de compressão.
Outras coisas a fazer na masterização incluem normalize e aplicação de fade outs. A normalização, feita após a compressão, é a fase final na masterização do CD. Traz a música a níveis normais de volume para a queima do CD. Ele analisa as partes mais altas, e ajusta o volume de toda a música de acordo. É por isso que você deve comprimir em primeiro lugar, porque compressão afeta os níveis da música. Normalizar, deve trazer para o seu nível final.
Fading inclue fade in no início, e fade out no final. Você quer certificar-se de que antes da música começar tenha um verdadeiro silêncio. A mesma regra se aplica no final.
Alguns técnicos irão aplicar efeitos para toda mixagem. Um proprietário de estúdio me jurou que colocando uma pequena quantidade de chorus ajuda qualquer música. Ouça sua amostra e compare com sua música. É tudo sobre como obter um ótimo som.
14. Queimar o CD
Depois de queimar o CD escute-o em diferentes players. Você vai descobrir algumas coisas que provavelmente devem ser arrumadas. A maioria pode ser arrumada durante a masterização. Não se esqueça da capa do seu CD. Isso também tem um papel fundamental no conjunto da obra. Espero que essas dicas tenham sido úteis.
Um abraço a todos e boa mixagem!
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